古代绘画中躯干肥硕、四肢细弱的形象是写实还是艺术创作手法？
艺术源于生活是亘古不变的，以唐代的人物画为例，丰腴的体态肯定是当时现实生活（严格说是宫廷或上流社会）的真实写照，但在创作时为更好的画面呈现经过艺术加工也是必要的。
艺术来自生活，高于生活。
贵在似于不似之间。
为表现第一感观的特征，可以夸张变形，而神态更足，更欣赏者更广阔的的思考空间。
现代一些***取法于此，因夸张而更加神似。
这是一种艺术手段。
古代绘画中人物很多形象肥硕，四肢虚弱，手指纤纤。这是国画人物写意的体现，当然，也有写实一些作品比如渔翁，柴夫等。当时，古代审美中富贵仙人等形象肥胖也代表着富贵。这是艺术审美取向。包括到我们近代，乃至现代，某些富贵，仙人形象也是略有夸张，大腹便便形象。这是一个民族对人物形象的认知，是一种艺术常规表现。
敦煌壁画有着大量的人物画存世，我们来看一下裸上半身的“飞天”图，还是符合人体造形的。
下图为敦煌绢画中的精品引路菩萨（唐.男***），人体比例非常完美。而画面中冉冉升天的贵夫人造型有点夸张了。
我们还可以通过世俗题材去感受一下人物画，如图：
我们通过古代早期的人物画已经可以了解到，就是“写实”的追求。
唐宋时期的绘画（工笔画）是以写实为主的，由于古人的服装基本上是直通型，所以腰就显得肥了点。而把女性的手画的纤小细弱就不排除故意而为了，因为大手大脚的女性在古代属于粗俗相，不符合贵人相貌特征……我画女性也喜欢修改大手大脚与胸部，尽可能的画成美人状。
客观来讲，传统中国人物画在唐伯虎后一代不如一代……清末的海派任伯年可以说是最后一个有成就的人物画家了。
而现代的中西成合形式的人物画，尽管在造型上提升了，却又缺失了更为重要的笔墨魂……美人提酒来啦！
说实话，看到这个问题时内心真的想“哈哈哈”，超写实啊！这真的就是东方人“富裕”后的体型，没有自我贬低的意思，也不必妄自菲薄。
这是“人种”造成的体态，人类世界中不仅有肤色差异，体型亦各具特色。
我们今天关注古代国画中的比例、结构、造型，其实，是源自新的“审美观”，它是受西方美学影响的“审美”。还是那句话，”没有比较，就没有伤害”。
如果没有古希腊的人物雕塑，没有十九世纪、二十世纪的“健美运动”的兴起，没有看到西方人的“肌肉男”，我们不会有对八块腹肌和马甲线的关注，一切都“习以为常”的接受着，认定那“大腹便便”，”四肢细小”，”指尖纤纤”，就是“美”；“三寸金莲”就是女人的“标准”。如今，人们真正的懂得了”美是什么 ” ，它不仅是“约定俗成”，还应该是建立在科学基础上的健康之美！不一定“五大三粗”的腱子肉就是“美”，也不一定“杨柳细腰”的骨感就不“美”，重要的是，健康快乐！
由于人种的体貌构成的限制，我们东方人的表层脂肪比西方人的多，因此，没有特殊的“训练和营养”的加强，到了一定的时段，我们的体型真的就是躯干“中臃” ，这是由于腹部、内脏运动的少，因此更容易堆积脂肪，而四肢越发的看起来“细弱”。东方人不仅皮下脂肪相对“多”，皮肤也比西方人的皮肤细腻光滑，体***对也较少。我们是亚洲的黄皮肤系列，日光照射久了会被“晒黑”，呈棕色。而西方的欧洲白人系列，却往往被日光的紫外线”晒”成“粉红色”，他们自己也不喜欢那种“粉色”，因此，西方人”喜欢“棕色的美，认为”它”代表“健康”。
当我们开阔了眼界，见多了“不同”，我们曾经的固有观念也会随之改变，吸取精华，除去糟粕。想必再过若干年，后人回看历史的时候，那种曾经的“大腹便便”和“弱不禁风”，以及”头大身子小”的“不似尺”，都会消失不见。回看历史，我们的古人真的很可爱，他们真实的还原了历史，让我们这些后人得见“从前”！感叹时光。
在中国民间有“画人难画手，画树难画柳”的说法，意思是手的变化实在太多，结构和动态很难准确把握。而柳条的婀娜多姿的垂悬轻盈常常让画者一筹莫展，无从下手。在没有力学、运动学、解刨学、以及绘画***的思维支撑时代，想创建一个符合科学观的绘画作品实在是件“不可能完成的任务”，勉为其难啦。古代的中国没有“肌肉男”吗？未必，只是画家的可选范围实在是极其有限，出行不便、身不由己。再者，如果我们用今天的眼光和标准去量度古人的画，未免太不近人情，也缺失历史观。尽管我们的古画***和动态结构不能令现代人“满意”，但它们丝毫不影响绘画带给观众的诗情画意之美。
着装的三色原则指的是什么？
所谓“三色原则”，是指全身上下的衣着，应当保持在三种色彩之内。对于女士在正式场合的着装的评价，人们往往关注于一个细节，即她是否了解不应该使自己的袜口暴露在外。不仅在站立之时袜口外露不合适，就是在行走或就座时袜口外露也不合适。穿裙装的女士，最好穿连***或长筒袜。
男士西装三色原则
男士西装要穿着合体、优雅、符合规范。选择庄重场合的西装要遵循“三色原则”。简单的说，“三色原则”要求男士的着装，衬衣、领带、腰带、鞋袜、一般不应超过三种颜色。这是因为从视觉上讲，服装的色彩在三种以内较好搭配。一旦超过三种颜色，就会显得杂乱无章。比如；如果在西装左侧胸袋里插上袋饰手帕，其色彩最好与领带或衬衫颜色相近，否则，上半身就会显得色彩斑斓了。
更讲究的作法是，使服装的色彩在三色，甚至控制在同一色彩的范围内，先西装、次衬衣、后领带、逐渐由浅入深，这是最传统的搭配。反之领带色彩最浅，衬衫次之，西装色彩最深，即由深入浅搭配服装，也是可行的。
国外有身份的男士，大都讲究手表带、腰带、皮鞋保持同一种颜色，认为这是最有风度、最有品位，他们的皮夹、皮包等配件，也是与服装的主要颜色相一致。
掌握以下原则，这样基本上不会出什么错。
一、善用纯色
纯色系的衣服算是服装占比很大的，它可以让身体的一大部分呈现单一色调，这有助于烘托出一种干净的穿衣。纯色系还能衬托你的肤色，让你的皮肤显得更好。
二、三色原则
就是指全身上下的衣服颜色不要超过三种，这样给人视觉感也会非常清爽。三色原则的穿搭中的应用并不是绝对的，不过这适合于大部分的穿搭。
三、奇装异服
不要尝试一些造型过于夸张的服装，这不会显得你很潮很酷。莫看时代潮流T台上的服装，那些只适合舞台，穿衣在一定程度上也要匹配你的外部环境，不然会显得格格不入。
四、整洁
衣服的色彩和款式选择好之后，就要注意整洁。这个整洁不单单指衣服，人也要干净。衣服需要勤换洗，不要一件衣服穿一两个月，这会显得自己很不卫生。
五、不要穿不合身的衣服
文艺复兴时期男女装的特点？
随着文艺复兴时期的兴起，简单的褶皱样式变成了贴身的服装。这是第一次至关重大的转变。
轮廓鲜明的缝合和裁剪技术的兴起使得服装更加贴近了人的身体。纽扣和蕾丝的发明也使得服装更加合身。
文艺复兴时期服饰业发生了很大的变化，当时的服饰为了追求个人意识而日趋夸张和奢华。文艺复兴时期女装通过上半身胸口的袒露和紧身胸衣的使用，与下半身膨大的裙子形成对比。表现胸、腰、臀三位一体的女子***特征。为了追求看似完美和奢华的上轻下重的正三角形造型，女子们用束腰紧箍着腰身，形成一种“畸形”的“完美”。
文艺复兴时期，女装服饰流行山形帽，头发梳成心形的发型并以珠宝装饰。硬挺、夸张而具变化性的领子是女***饰的重要特征。裙撑、束腹、臀垫、高底鞋都被当时的女士所热衷。服装轮廓已由哥特式那种舒展而又自然苗条的外形，演变为厚实布料或豪华丝绒的宽大褶裙，时装显得笨重、不舒适和臃肿。
为了塑造优美造型，裙撑成了女子不可缺少的整形用内衣。宽肩、细腰、圆臀的整体轮廓是文艺复兴时期优美的代名词，这就要求束腰内衣更加窄，为了突出体形，穿细金属棒衬垫的紧身胸衣腰线上移，将人体勒成沙漏形状。据称，当时认为最完美的腰身是33cm!当时有人曾同情地谈到这种时装，说：“身子被可怕地紧箍着，女士们就像烈士们为信仰而献身那样，出于虚荣而不得不忍受同样的痛苦。”这个跟中国缠足其实没什么区别，让女人都成为了畸形审美观下的牺牲品，但这种折磨人的发明直到今天仍然是设计师绕不开的***元素。
文艺复兴时期服饰的性别特征极端分化，形成性别对立的格局。男服通过雄大的上半身和紧贴肉体的下半身之对比，表现男子的***和魁伟;女服则通过上半身胸口的袒露和紧身胸衣的使用，与下半身膨大的裙子形成对比。表现胸、腰、臀三位一体的女子***特征。男服呈上重下轻的倒三角形，富有动感;女服呈上轻下重的正三角形，属于静态。
当时男士一般留短发，蓄络腮胡，头戴斜扁帽或高礼帽。上身穿紧身短上衣或衬衫，下穿灯笼裤和弹性布料缝制的连袜裤，脚穿方头鞋。外穿带裙身的上衣，衣长及臀底，系腰带，领子有圆领、鸡心领和立领。外出时穿在外面的及臀或膝的大衣，常在伸胳膊的地方装饰有***袖子，常常有一套衣服配几副活动袖子的穿法。除了朴素的衣袖外，还喜爱不同色彩或多种色彩的豪华衣袖，有灯笼袖、装饰袖以及剪开袖等。
文艺复兴时期男服最大特点之一是大量使用填充物，男上衣的肩、胸和腹都塞进填充物使之膨起。填充物还用于像南瓜外形似膨起的短裤上。
为什么服装秀上的衣服会这么“浮夸”？
谢谢邀请！我们经常看到的服装走秀，款式的确非常夸张，甚至有些另类。这样的衣服有实用性吗？可以穿吗？这是我们经常感到疑惑的问题。要搞清楚这些，你就要了解服装秀的目的。
1.理念。任何一个品牌，皆有其宣扬的理念，通过走秀，理念和设计师的风格都能得到展示。
2.艺术性。服装的发展，就是人们审美观念的一个反应和提高。走秀，秀的是艺术，艺术是历来高于生活的！
3.用途。走秀后服装的设计也会秉承其推行的元素，款式变得更加实用，更加潮流！那些展示的走秀款，部分会成为明星，富商的高级定制哦！
谢邀！
服装秀上的衣服走在了时尚的前沿，甚至是创造了时尚。而时尚归根结底还是要应用于生活，有些设计浮夸，但它们能引起潮流，能开拓出市场。
从设计者到商家再到消费者，都是实现为了自己的价值。设计者为商家提供设计的产品，商家则负责让产品流入市场，***消费者消费，消费者带动了市场，给了设计者和商家利润，环环相扣。
设计浮夸一部分是为了时尚，一部分是为了***消费。设计出来的衣服在面向消费者和市场时是会“因时、因地、因人”制宜改良的。
主要是因为公开的服装秀Fashion show和保密的服装秀的目的和需求不同。
公开时装秀的目标是营销，塑造品牌形象。在灯光和舞台上，没点特色根本不会吸引眼球，更别说媒体的报道和软文怎么写了。有了这些浮夸的形象才有照片和后续的宣传。企业一般会做一批样品或者少量订单来做形象展示。
品牌自己的服装秀通常都是保密的，代理商要看秀还不得带手机和相机等拍摄设备入场。这样的秀主要是为订货服务的，品牌为了保护自己下一季不被抄袭和模仿做的一种商业保护。这里有很多是基础款，上服装秀没人要看，但是几乎***会买。
也有一些高端品牌是把营销和订货两个功能合并的。会利用大量的场景布置和造型来增强一些本身不是很抢眼的服装。去掉了背后的花翅膀以后，那只是一套白色蕾丝内衣。
相信大家都在电视上看过各种时装秀，各种雷人造型，可以说亮瞎眼，世界上有很多大型时装秀，例如米兰、巴黎、伦敦、纽约这四大时装周，还有维密秀等。那么很多人就有疑问了，这些时装秀***所穿的衣服有人穿吗？设计师把它们设计出来到底有什么用？
服装秀上***们的服装款式都非常夸张，通常我们在生活中很少能见到，但是每年的各种大型服装秀雷人的造型却越来越夸张。
虽然这些服装的造型太超前，但是他的一些设计细节还是会有很多被应用到生活当中，而这些服装的设计师们只不过将他们的设计无限放大了而已，从而来符合他们的设计主题。
就好比早些年的服装秀，***穿的服装各种大面积绣花，打满金属撞钉，或者订满各种章等，在如今我们的日常服装上都能看到这些设计的身影。所以大型服装秀的作用就是引领服装时尚潮流。
而这些走秀的服装设计最终被应用当我们日常生活服装的并不多，但是我们日常生活所穿的服装的设计元素往往都来自这些服装秀。
还有一些舞台服装跟这些走秀服装就比较接近了，例如一些话剧，或者大型的化妆舞会，明星的演唱会等等，他们所用到的服装造型也是非常的雷人，但是很多设计元素也都是来源于服装秀，只不过他们与服装秀更接近而已。
所以服装秀上的衣服日常生活中是没有人会穿的，但是我们身上的每一件衣服的设计灵感却都是来自于***身上的所穿的衣服。所以别看这些走秀的服装没什么用，但是却与我们息息相关。
我是虎哥说衣不二，喜欢我的文章欢迎留言讨论，关注我每天了解更多服装类知识。
